Jessica Backhaus is one of the most famous contemporary German photographers. Her work focuses on simple everyday things and unvisible situations, which are documented and staged in colorful photographs. Jessica is one of the most inspiring and sparkling personalities I’ve ever met. We spoke about her oeuvre, recent publications and the magic of the colour Blue.

Photo by Ilaria Turba

Jessica, you are one of the most renowned contemporary German photographers. And or much more exactly because of the fact you are so down-to-earth. How, when and why happened to become a photographer?

As for many other artists, it began quite early. I grew up with parents who work in the Arts – my mother is an actress and my father is a theatre director. It was an unconventional and colourful childhood with a lot of freedom. I believe the spark that got me interested in photography was founded in the theater. Later on I had found inspiration in the film and movie archive that the partner of my mother was managing in Berlin. When I was 16, I realized that I had developed a passion for the visual world. Another key moment was decisive. At the time, when I lived in Paris, I had the chance to work with David LaChapelle. After these days of assisting him, I realized that I wanted to learn more. David was the one who suggested to me to leave Paris and to move to New York to work as an assistant. Somewhere in between all of it, my love for photography was born.

Why? I simply love the freedom that comes with it. Photography also paints new horizons and enables me to discover new worlds. I take pictures, among other things, because this medium offers me a field where I can express various emotions. This immersion into other worlds, to loose and find oneself, to follow uncertain paths, to dare, to attempt and to learn to see are some elements that are at the base for my longing to photograph.

Tomorrow

You have been living for many years in NYC and Paris. Tell us more about your life there. How did it influence your work?

Being a student in Paris was indeed a wonderful adventure. I have always enjoyed being surrounded by different cultures and being able to live in foreign countries where you have the possibility to enlargen your horizon.

In regards to New York I would like to quote Elisabeth Biondi who wrote one of the texts for my book Once, still and forever.:

“Jessica left Germany when she was sixteen to study photography in Paris. There she met Gisèle Freund who became her friend and a life-long influence on her work. New York was her next destination, which she explored for fourteen years. Freund had instilled in her the necessity to learn the craft of photography in order to be free creatively.

Photography was ever present in New York in the 80s and the 90s-in the galleries, in the museums and in the street. Photography thrived and color photography dominated. She looked and absorbed all with intense curiosity and gradually developed her own way of seeing. By the time she left, America had put a stamp on her vision.”

New horizon

Gisèle Freund was a very close friend to you. How did she influence your life and work?

The relationship I had with Gisèle Freund was very precious to me. It was a beautiful and inspirational friendship in many ways.

She was 84 when I met her in 1992. We did many things together – we went to see exhibitions and movies, I introduced her to my friends, and mainly we had long talks and discussions where we exchanged our ideas and opinions on various subject matters. Our friendship was one of the most beautiful gifts I’ve gotten in my life. Even though we had such a huge age difference, there was a deep understanding, connection and love. She not only influenced and encouraged me within my work but also in my life. I admired her courage. Another thing I learned from her was to have the courage to live your life in an independent way and to follow your own convictions without too many compromises. In 2008, I created a book for her, One day in November, published by Kehrer.

You will see

Blue is „your“ colour. What does it mean to you?

I simply love Blue and I can’t live without that color. Actually any kind of shade of blue and turquoise are vital in my life. Blue and turquoise are for me colors that reflect freedom, eternity and endless possibilities.

Ein Augenblick

Six Degrees of Freedom seems to highlight a tension between my ‘young and fearless’ versus ‘older and wiser’ self. It seems that your images reminisce the excitement of childlike, forgivable rebellion. How important is the notion of rebellion and ‘revisiting our roots’ in your work?

Six degrees of freedom was partly inspired by my own biography and my desire to find out more about my origin. There is no specific message, the project holds various themes together like memory, yearning, identity, traces and destiny. During the years of making this project I visited some places from my childhood and youth. With my photographs I tried symbolically to capture the essence of this search and of the different life stages. Nevertheless I want the photographs to be open for individual interpretations. I believe photographs can play a vital and important role in constructing elements of one’s identity and history.

Beyond 2

This series as well as your art work in general is said to have been based on your own life story. Could you tell us a little more about this?

My life and my work are very closely linked. Our experiences and our emotions are essential in our reflections. I think my work is very intuitive, it goes along with my own emotions and feelings. You express yourself because there is not another way you can do it. In order to create you also have to allow for a certain vulnerability and openness. I believe this open field of the unknown gives my work some lyrical and poetic elements. It’s about the little things and details which I think tell a lot about a bigger picture. You can sometimes read so much more in between the lines.

Beyond 7

Your new project, a trilogy consists of three photo series „Beyond Blue“, „New Horizon“ and „Letting go“. Tell us more about the idea behind. Why is the trilogy so important for your artistic development?

A new project is always a mysterious adventure. The challenge is to develop new work and to move forward while staying authentic within your artistic expression.

Here are some thoughts about the three different series:

Beyond Blue

This series is about silence and feeling the void. I have always been fascinated by the void. I believe if you allow for a certain emptiness many things can happen. Sometimes in a state of feeling empty you can be quiet, recharge, see things in a different way/light, hear the silence and it allows for opening new doors. I also find it intriguing to concentrate on three elements: a piece of string, color and light. To find a radical reducement within my work.

Shifting Clouds

This series is about the process of changing and the place in between. “A passage through an open doorway. A gateway to what lies beyond. The threshold of thought. The expansion of perception. The energy within the void. On the verge of becoming. The power of beginnings.” (TRA – an exhibition by Axel Vervoordt.)

New Horizon

This series is about new beginnings and letting go. It is similar to a path with endless possibilities where one follows their own intuitions. Eventually it is about taking chances, finding the courage of going new ways and exploring the unknown. The different layers in this new work are playing with our perception between the concrete and the abstract, the surface and the depth.

Beyond 15

There is a publication dedicated to every photoseries. Do you have a favourite photo series and why?

The published book is for me the best form of accomplishment when I work on a long term series. It tells the whole story and not only fragments. I always concentrate first on the book and then on the exhibition.

Otherwise it is difficult to pin down one favourite series. But if I would choose one at this moment, I believe it is my Trilogy. Because I took risks, explored unknown grounds, experimented with new elements and enjoyed the liberty that I felt while working on it.

Painting a story

Is there a stillife you’ve already created in your mind but its not „materialized“ yet in the visual reality?

No. Most of the time I never know in advance where my work will take me. It evolves while I am working on it. There is always room for chance, mistakes and surprises.

Beyond 17

A photograph which you could never get separated from?

It is a beautiful print by Martin Munkácsi, “Boys running into the surf at Lake Tanganyika, ca.1930” that Gisèle has given me.

Here

You are dealing with the topic of mindfulness. What does it mean to you? Is mindfulness something you create through your work?

Mindfulness is a word with lots of meaning. I believe it is a particular way you choose how to live your life. And the key is to integrate mindfulness in your daily life in all the various situations you find yourself in. I do hope that my work initiates an open mind and shows a different perspective on things.

Blue note

Can you share any inspiration for upcoming projects or work in progress?

Life inspires me. Our emotions, our feelings as well as various Art forms like Painting, Film and Music. At the moment I am not sure what journey I will take to create new work. I have started work on various new series. With time we will see where the wind blows.

Ilaria

Kathrin Uthe ist eine vielseitige Künstlerin. Ihr Œuvre umfasst mehrere Kunstgattungen, Techniken und Materialien. Den Kern der Ausstellung „Synchron“ (9.-23.11.) bei PAULINA’S FRIENDS zeigt zeitgleich zur Impression von Tanz und Musik entstandene Kunst. Die Hannoveranerin hat uns einen Einblick in Ihr Atelier und ihre künstlerische Welt gewährt.

Liebe Kathrin, du hast Kunstgeschichte und visuelle Kommunikation studiert. War das ein langer Weg, bis Du zu dem geworden bist, was Du heute bist?

KU: Ja, in gewisser Hinsicht schon. Es gibt ein großes Bild von Paul Klee, das heißt „Hauptweg und Nebenwege“. Daran muss ich denken. Zeichnung, Plastik, Fotografie? Was war der Anfang? Die Zeichnung. Mein Interesse galt dann auch bald dem Aktzeichnen. An der FU Berlin, Kunstgeschichte, wurde ein Kurs angeboten. Dort zeichnete ich zum ersten Mal ein Aktmodell. Die räumliche Situation war allerdings nicht gerade ideal. Es war ein Seminarraum ohne Atmosphäre. Später an der Hochschule der Künste waren die räumlichen Bedingungen beim Aktzeichnen weitaus angenehmer.

In deiner plastischen Arbeit geht es viel um Mythologie – was ist Dein persönlicher Bezug dazu?

In der griechischen Mythologie finde ich Figuren, die mich zu einer Auseinandersetzung mit deren Gestalt, Geschichte oder Wesen reizen. Ich kann meine persönliche Sicht auf sie bildnerisch umsetzen. Wiederkehrend waren eine Zeit lang Ikarus, Daphne und die Sphinx. Viele Menschen kennen diese Protagonisten, wissen um ihre Geschichte.

Du arbeitest in klassischen bildhauerischen Materialien und Techniken, vorzüglich in Bronze. Ist das zeitgenössisch und zeitgemäß?

Ja, ich arbeite in Ton für Gips und Wachs für Bronze. Und ich liebe diese Materialien. Sie sind mit den Händen formbar. Das Material ist wandelbar, nichts ist vorbestimmt und der Arbeitsprozess ist mitunter ein sehr langer, von vielen Verwerfungen begleiteter Weg. Zeitgenössisch, zeitgemäß, was ist das? Wer klassifiziert ? Letztendlich kommt es auf die Qualität, Ästhetik und Aussage an. Wenn jemand mit Pappe eine überzeugende Plastik schafft, warum nicht? Das Material ist nicht ein Zeichen für zeitgenössisch oder nicht, sondern Form und Inhalt.

Woraus schöpfst du Kraft und Inspiration?

Ich bin viel in der Natur unterwegs. Dies gibt mir Zeit zum Denken. Wenn ich arbeite und dabei mit meinen Anliegen vorankomme, motiviert mich das zusätzlich. Ich bekomme Anregungen aus der Literatur, im Tanztheater und durch das Hören von Musik.

Gibt es Arbeiten, von denen Du Dich nie trennen würdest und warum?

Ja, solche Arbeiten gibt es. Es sind die, wo ich etwas für mich entdeckt habe oder die eng mit mir verknüpft sind.

Erzähl uns etwas über die Motive, die häufig bei Dir auftauchen – Stuhl, Tipi, etc..

Der Stuhl und das Tipi sind erst in den letzten Jahren in meinen Arbeiten aufgetaucht. Wobei der Stuhl an sich mich schon lange interessiert. Er steht stellvertretend für eine Person. So habe ich zum Beispiel bei mir zuhause zwei alte Stühle. Einen Thonetstuhl Stuhl, den mir meine Mutter geschenkt hat, und von meinem Opa einen mächtigen alten Bürostuhl, der fast aussieht wie ein Thron. Diese beiden Stühle haben jeweils einen bestimmten Charakter. Thonetstuhl – grazil – weiblich; Bürostuhl – mächtig – männlich. Es gibt eine Serie von Photos mit dem Titel „stellvertretend“, in denen Stühle in unterschiedlichen Situationen zu sehen sind. Diese Stühle stehen stellvertretend für Personen.

Das Tipi ist durch Zufall zu meinem Motiv geworden. Auf einem Waldspaziergang photographierte ich ein Tipi in einer besonderen Licht Situation. Dieses Motiv benutzte ich für weitere Photobearbeitungen. Ich verknüpfe das Motiv „Tipi“ mit anderen Themen wie Geheimnis, Traum, Geborgenheit, Natur, Märchen.

Hat Deine Kunst eine Kernaussage, die sich durch alle Werke zieht?

Wie Ton und Wachs ist alles wandelbar. Konstant ist das Thema „Individuum“ in vielen Variationen. In fast allen meinen Werken ist der Mensch direkt oder stellvertretend durch die Motive oder Spuren, die er hinterlässt, sichtbar.

Gibt es Träume in der Kunst, wie auch im Leben, die du gerne verwirklichen möchtest?

Ja, zum Beispiel träume ich von einem warmen Atelier im Winter. Arbeiten mit gleichgesinnten Menschen an ausgesuchten Themen. Die Welt durch künstlerische Eingriffe oder Impulse zu verändern. Die Digitalisierung der Welt entschleunigen und auf ein Menschen verträgliches Maß zu reduzieren. Greifbare Kunst machen. Dinge schaffen, die zum Nachdenken anregen.

Hast du eine Vision, die für Dich größer und mächtiger ist als die Kunst?

Positive Veränderung der globalen Gesellschaft.

Welche Themen aus dem Zeitgeschehen beschäftigen Dich besonders, und wie spiegeln sie sich in Deinem künstlerischen Schaffen?

Mich interessieren viele Themen des aktuellen Zeitgeschehens – insbesondere die Themen Digitalisierung und Umwelt. Diese Themen kann ich zum Beispiel wunderbar mittels der griechischen Mythologie umsetzen.

In Deinem Werk geht es nicht nur um Musik und Tanz, sondern auch viel um Zufall. Wie definierst du den Zufall?

Zufall ist für mich eine rein subjektive Beschreibung von Vorgängen. Beim kreativen Arbeiten kann es zum Beispiel vorkommen, dass ein Farbklecks ungewollt auf dem Papier landet. Zufällig an der „richtigen“ Stelle. Oder der Klecks landet so, dass ich damit weitermachen oder -kommen kann. Dazu gehört allerdings, dass ich dies so wahrnehme und umsetzen kann.

Warum stellst du bei PAULINA’S FRIENDS aus? Was gefällt Dir am Konzept?

Paulina habe ich vor einigen Jahren in der Bildgießerei Flierl kennengelernt. Offen, interessiert, Austausch, Rundgang durch die Gießerei, viel vorgestellt, viele Informationen gegeben. Energiegeladen, sympathisch und engagiert für die Kunst. Durchlässiges und lebendiges Konzept. Es gibt keine Einschränkungen außer denen im eigenen Kopf.

Vielen Dank für das Interview, liebe Kathrin! 

Herzlich Willkommen zu Kathrin Uthes Ausstellung „Synchron“ in der Concept Galerie PAULINA’S FRIENDS bis zum 23.11. Hier Einige Impressionen von der Rauminszenierung.

Eine Printunikatjacke mit Deinem persönlichen Tier als Hauptmotiv ist tausendmal wertvoller als das Fell eines unbekannten Tieres, das für Deine Eitelkeit sterben musste.

Diese Modekollektion entstand aus einem sehr persönlichen, an sich banalen Antrieb – Paulina hatte mal einen Hund adoptiert (leider musste sie den Hund nach 1 Jahr aus unterschiedlichsten Gründen schweren Herzens wieder abgeben…..) Und so ist diese in Deutschland fair produzierte Bomberjacken-Modelinie eine Liebeserklärung an das wunderschöne Welpenmädchen Bella, das Paulina ein ganzes Jahr begleitet hatte. Der silberne Labrador Bella (nein, kein Weimaraner!) ist ein Hingucker: nicht nur im Realleben, sondern auch auf dieser Bomberjacke. Vor allem wenn man sie an der Leine hat und im Partnerlook spazieren geht. Da kann man wohl nicht übersehen werden!

Wir haben eine personalisierte Tierkollektion ins Leben gerufen, weil wir nach einem individuellen, innovativen, coolen Produkt gesucht haben, das aber keinerlei plakativ sein sollte. Dein Vierbeiner ist tagtäglich Dein treuer Begleiter, und bleibt sicher an Deiner Seite (im Unterschied zu manchen Partnern:) Du kannst Dir aber auch eine individuelle Bomberjacke mit Deiner Lieblingsmiezekatze, Deinem Goldfisch, Hamster oder Pferd bestellen. Um dieses anspruchsvolle, zeit- und kostenaufwändige Projekt realisieren zu können, sind wir auf die wertvolle Kollaboration mit Tierschutzorganisationen, Tierarztpraxen, Hundetrainern und Hundebedarfgeschäften angewiesen.

Wir freuen uns, Dir ein handverlesenes, maßgeschneidertes Kleidungsstück ganz nach Deinen Wünschen zu designen. Die Produktion findet in Deutschland statt. Was wir von Dir brauchen, sind hochauflösende Fotos Deines Haustiers. Alles Weitere (Stoff, Größe, Farben, Verteilung des Motivs etc.) klären wir mit Dir am besten im persönlichen Gespräch. Wir freuen uns auf Deine Anfrage per Mail: hello@paulinasfriends.com

P.S. Es gibt eine einzige Voraussetzung – die Jacke bleibt ein Unikat, so wie Dein Lieblingstier!

Vielen Dank an die tolle Schweizer Fotokünstlerin Nora dal Cero für diese fantastischen Aufnahmen mit Bella, Paulina & Marcel. Selbstverständlich kann Nora Dein Lieblingstier fotografieren, solltest Du kein geeignetes hochauflösendes Foto parat haben.

DAS SPIEL MIT DEM DASEIN

Konzept: Paulina Tsvetanova

Fotos: Antonio Castello

Make-Up: Benedikta Ársælsdóttir

Androgyn, unisex, gay, transgender – ein totaler Hype. Die Trans- Ästhetik ist sehr angesagt und ist in viele Gesellschaftsschichten neben der Modebranche bereits eingedrungen. Transgender Celebrities, Models, Performance Künstlerinnen gibt es inzwischen zuhauf. Wohl wieder nur ein Tend? Lässt sich Identität vom Geschlecht und der sexuellen Orientierung her bestimmen? Verändert Mode das eigene Gender-Empfinden? Lassen wir uns nicht viel zu sehr über Genderrollen definieren? Hilft uns Mode auf der Suche nach der ureigenen, sogar nach einer neuen Identität? Hat unsere persönliche Identität überhaupt mit Gender und Sexualität zu tun?

Diese Fotostrecke ist das Ergebnis eines Fotoshootings. Die Modelle haben sich auf eine Ausschreibung hin beworben. Sie richtete sich ursprünglich an Transgender, Intersexuelle, Bisexuelle, Homosexuelle, Heterosexuelle, an alle, die ihre Identität unabhängig von ihrem Geschlecht oder Sexualorientierung sehen und sich entsprechend (ver)kleiden. Es sind Portraits entstanden, die starke Persönlichkeiten jenseits des Geschlechts zeigen, die von ihren authentischen Geschichten geprägt wurden.

Mit diesem anspruchsvollen Projekt möchten wir einen Rahmen für den spielerischen Umgang mit Gender-Stereotypen liefern. Wir treten bewusst aus der normativen Genderbalance aus und stellen unsere klassische Wahrnehmung der Geschlechteridentitäten in Frage. Das Ziel ist nicht nur die gesellschaftliche Akzeptanz und Gleichstellung von Menschen, die zwischen den Geschlechtern leben, zu fördern. Vielmehr geht es um Freiheit, Entfaltung, Mut und Bekenntnis zur eigenen Essenz.

Es gibt so viele Gender, wie es Personen gibt. Die eigene Gender-Palette ist frei, wie unser Lifestyle. Wir können tagtäglich unsere persönliche Gender-Identität kreieren und neu entdecken. Durch Mode zum Beispiel: Mode verwandelt und befreit. Mode existiert unabhängig von Geschlechteridentitäten. Paulina’s Friends zelebriert Schönheit und Identität jenseits von Genderdefinitionen, mentalen Schranken und Vorbehalten. Sogar jenseits von Fashion & Lifestyle. Am Ende des Tages zählt der Mensch und seine Persönlichkeit.

Zum Projekt Beyond Gender findet eine Fotoausstellung 12.10. – 6.11.2017 in der Concept Galerie PAULINA’S FRIENDS statt. Eröffnung am Donnerstag, den 12.10, 18-21 Uhr.

Darüber hinaus erscheint ein Printkatalog mit persönlichen Statements der Portraitierten!

Vielen Dank auch an Gabi Becker für den Dokumentationsfilm Making of Beyond Gender:

Und hier eine Auswahl der entstandenen Portraits (sowohl Fotoprints, als auch Aufnahmen im Katalog sind verschieden!)

DAS LETZTE ABENDMAHL – eine theatralische Inszenierung 

Konzept & Art Direction: Paulina Tsvetanova

Fotos: Ralph Lagoi

Location: room capacity

Mode & Accessoires aus dem Sortiment von PAULINA’S FRIENDS

In einer Welt voller überflüssiger Sinnesüberflutung sehnen sich viele von uns nach Stille, Leere, Ankommen. Der Minimalismus in allen seinen Ausdrucksformen und Perversionen ist omnipräsent. Ein Symptom der überforderten Wohlstandsgesellschaft, die alles kann, weiß, will. Wir flüchten in das Nichts, wir flüchten von uns selbst. Wir stopfen uns mit Suchtmitteln um diesem Wahnsinn zu entkommen. Wir gehen zum Yoga und praktizieren Mindfullness um die Illusion aufrechtzuerhalten, dass wir alles im Griff haben – Körper, Seele, Geist. Exzessiv, sehnsüchtig, verzweifelt. Wir suchen nach etwas, was es nicht gibt, oder besser gesagt, was es schon da ist aber neu gesehen/gehört/geschmeckt/gespürt werden muss.

Es gibt auch andere Wege in Kontakt mit sich selbst zu kommen oder sich von sich selbst zu befreien, z.B. durch Inszenierung eines Daseinszirkus. Das Zelebrieren der Fülle und unserer mentalen Möglichkeiten. Die Welt ist doch so schön prachtvoll und es ist lebensbejahend, ja entzückend, aus dem konventionellen Alltagstrott auszubrechen und das Märchenhafte des Seins zu erfahren. Ja, aber wie?

In dieser psychedelisch angehauchten Fotostrecke simulieren wir die Entdeckung einer neuen Dimension im Alltag. Ein kleiner futuristischer Ausflug in eine Traumwelt, in der Chaos und Harmonie ineinander verschmelzen. Ein Zaubertrank versteckter Erkenntnis hinter der sichtbaren Realität. Das Sehen von etwas, was es nicht gibt. Eine neue, ganz besondere Sicht auf die Realität. Und ja, absurderweise sind keine bewusstseinserweiternde Drogen im Spiel, sondern (nur) pure Experimentierfreude und Liebeslust. Lebenssucht!

Die Synästhesie als visuelle Realität durch künstlerische Symbiose. Hä, was ist denn das überhaupt? Synästhesie ist ein Ausnahmezustand, ein Phänomen verschmolzener Sinneswahrnehmung von Dingen, die es eigentlich nicht gibt: Töne sehen, Farben schmecken, Buchstaben riechen. Ein Reiz löst einen anderen aus, dadurch werden unsere versteckten Sensoren angekurbelt. In dieser Fotostrecke haben wir genau dieses Zusammenspiel aus Farben, Formen, Tönen, Texturen, Stofflichkeiten und Kontrasten festgehalten.

Wir möchten Euch in einen Rausch der Sinne versetzen. Eintauchen in eine wunderschöne Welt der farbigen Nebel voller Feuerwerke, Blitze, Lichtstimmung, Reflexionen. Strukturen lösen sich auf, Filter brechen auf. Alles ist miteinander verbunden – im hyper-konnektiven Gehirn der Synästhetiker, in der Einbildung psychisch Kranker, in der Fantasie durchgeknallter Künstler. Kann man diese Alchemie nicht als ganz „normaler“ Mensch erfahren? Hä, was ist denn schon „normal“?

Wir müssen nicht halluzinieren um solche irritierende Erfahrungen zu machen. Nein, wir müssen nicht auf Drogen sein. Wir müssen auch nicht hypnotisiert sein. Ein offenes Bewusstsein lässt die Vielschichtigkeit der Realität zu und erfährt bereichernde, unvergessliche visuelle Zustände. Wir erlangen eine neue Sichtweise auf die Umwelt, Emotionen und Mindset verwandeln sich automatisch. Leben wir dann effizienter, nachhaltiger so? Oder sind wir mit allem noch mehr überfordert?

Die Erfahrung dieser künstlerischen Exzesse müsste jeder machen. Wir zelebrieren das Besondere, was oft für die Augen unsichtbar ist. Denn, bekanntlich, man sieht/hört/schmeckt/tastet nur mit dem Herzen gut.

EIN PRINTKATALOG MIT DIESEN UND MEHREREN BILDERN IST BEREITS ERSCHIENEN. 

Interview: Paulina Tsvetanova

Maxine Noth is the founder and managing director of Haute Presents, the couture of the art experience. This summer and autumn, Paulina’s Friends will host two exhibitions with Haute Presents artists Ildikó Buckley and Brandt Parker. We spoke with Maxine about her innovative concept.

Dear Maxine, how did it come to Haute Presents? Tell us the story behind.

I moved to Berlin immediately after I had finished my Masters in History of Art back in London where I am originally from. I came with the wish to create a more immersive way of engaging with art that breaks down the boundaries of the traditional white cube aesthetic. Throughout the course of my studies, I was met with statements such as ‘I don’t understand art’ then people would shut down, which I found to be a depressing sentiment. I don’t personally think art exists to be understood, it is to be enjoyed or provide relief in some way, so my grand idea was to inject some fun into the world of art through different media that would entice a larger and more mixed audience. It was important to me to provide a platform for emerging artists. It’s hard to get a foot in without personal connections in the industry and a lot of talent is dismissed as a result. Every Michelangelo, Picasso & Warhol were unknown emerging artists at some point. It excites me to back the potential for the unknown to become known.

What is your USP?

The heart and soul of Haute Presents is getting art out to people who are intimidated by the traditional white cube aesthetic. Everything we do is completely tailor-made to each event, making each one unique and very personal as we work directly with the artists and artisans. The element of fun is crucial to Haute Presents, offering a opulent yet warm environment where everyone is welcome.

You are all in one – art historian, curator, event manager, art consultant, performer. What about your education?

I’ve always loved art. Some of my earliest memories are trailing around museums with my mother. I was always drawn to modern art, particularly pop art. I had terrible eyesight growing up yet refused to wear my glasses so, in hindsight these wonderfully bright pieces were probably all I could see! It was in my teens that I fell in love with the subject history of art. It gives us an insight to the world around us through creativity. Essentially, a key-hole into life through pictures!

I went onto University College London where I completed my BA and MA. I’ve been blessed with incredible teachers who I think make all the difference. I credit a lot to them. Education is key and unfortunately has to still be fought for. Education doesn’t stop at exams or degrees, nor should that be the sole focus. One should be inspired by and actively learn from the world around us.

What do you give your passion and enthusiasm most for?

It’s telling a story and opening up new dialogues to expand the parameters of art. If I have intrigued one person who would not normally have been interested or would normally be intimidated by an art event, it gives me huge pride and satisfaction. Kids actually have the best insight. They have a raw honesty and wide eyed earnestness that is infectious as well as humorous.

Your criteria for selecting your artists, designers, artisans?

Haute Presents is multidisciplinary, so there is a wide range, though I tend to lean towards the kitsch, the colourful and the macabre. Photography, performance and paintings being my favourite mediums.

My first ever event was an open call on Craigslist where I met several artists who I continue to work with. Through word-of-mouth, the event snowballed and Haute Presents was born. Art fairs are another favourite place to discover emerging talent and of course social media. Instagram is my personal favourite as it is an ever expanding open catalogue and community of creativity.

It’s only now, 3 years on, that I’ve been working with individual artists more closely rather than group shows. Brandt Parker with our wearable art collection and Ildikó Buckley and her archival analogue photography piece ‘#1872Photographsof 2015,’ are examples of these and both which will be showcased at Paulina’s Friends.

In your online boutique you promote not only contemporary art, but also „wearable“ art – jewelry, accessories, clothing, books. In your events the music, cuisine and costumes play a big role. Where is the border between art and real life?

Artistry is everywhere; from a beautifully composed canvas to a perfectly mixed drink.

The Bauhaus movement is very influential to my practice where the production itself Is art. I feel this attitude gives each of my events a high quality tailored theme.

Regarding ‘wearable art’ – I would also love to grow this aspect of Haute Presents working closely with independent designers in collaboration with my artists. I am seeking to break the boundaries of engaging with art and fashion is the other true passion of mine. Plus, what is more personal than being adorned in these very beautiful images?!

Maxine Noth & Brandt Parker

Why did you stop organising frequent exhibitions and having a permanent showroom?

I had a gallery space for two years in a wonderful location. It truly was a gift and there are so many incredible memories with that space; if walls could talk! We had fire shows, clowns, burlesque elves, a naughty Santa installation to a pop up doll stripper routine as well as more conventional shows that showed off a diverse range of contemporary talent. Owning a gallery was never the plan, it was an opportunity that arose that I couldn’t ignore. The essence of Haute Presents is to step outside the traditional way in which one perceives art and bring to it to those people who would not normally step into an art gallery. This is why I love Pop-ups, I love the Vernissage, the party, the spectacle.

Berlin is poor but sexy. What about London? You didn’t want to establish Haute Presents there?

London holds a dear place in my heart as I grew up and studied there. However, following my studies, I had no desire to continue staying there; I felt a pull towards Berlin which has now become my home. I love the raw beauty of Berlin where the creativity is tangible, it has a way of connecting people and making projects coming into fruition in the most hilarious and odd circumstances. I met one of my clients, Julianna Bass, a New York designer in a drag queen bar complaining about the lack of sequins in Berlin. This led to her making me a gold sequin tuxedo and we’ve been friends for three years now, collaborating ever since! How we met is something that only really seems to happen in Berlin. Peoples lives collide here in the most spectacular of ways.

Art and entertainment, how does it go together? Does art have to entertain nowadays?

Art doesn’t necessarily have to entertain and it very much depends on what you are showcasing or representing. The core of Haute Presents has been a celebration and with that comes a spectacle, a means to regale the guests past the white cube exterior.

What do you expect from a perfect tailor-made event?

There is never a perfect tailor-made event, I learnt that very early on! Putting on a show is definitely not a one-man effort. The run-up to a show is always met with hurdles. I always use the phrase (perhaps more for my sake) that the worse the dress rehearsal, the better the show! For a successful opening, my own recipe is: good art, great people, a fantastic look and a fully stocked bar with funk-tastic musical beats greeting guests with a smile.

Describe your customers…

I love my customers dearly. We have a huge range from young children who are always intrigued by the whimsy of it all. I have older clientele who at first were rather bemused but then jumped right on board as there is an old school decadence in how Haute Presents operates. My customers are often first time buyers who fall in love with what they purchase and continue to back the artists throughout the course of their careers.

Where do you see the future of the art and design scene in general? Trends, challenges, expectations, future prospects?….

Art and design has danced around each other and is forever intertwined. We held a book launch for New York Times Bestseller E.P. Cutler’s book Art +Fashion: Collaboration between the Icons’ which is a fascinating deconstruction of the relationship between these two worlds throughout the last 50 years. I can only see that relationship deepening and I am excited to see where that goes.

Another thing I see happening is the impact of technology in art. The use of iPads, virtual reality and augmented reality in art is extremely exciting. Adam Butcher’s digital portraits on an iPad through Skype are really pushing boundaries when it comes to exploring virtual interpersonal connections, encouraging us to question the physical relationship between artist, subject and viewer.

Do you have a vision, bigger than Haute Presents?

Berlin is my home and my base, but my vision is more global. Bringing the flair of Haute Presents to other locations throughout the world is the next step, but I see myself living and working under the guise of Haute Presents for a while as the brand continues to grow and thrive!

Dear Maxine, thank you so much for this interview!

Of course, it has been an absolute pleasure!